數位音樂學習心得

  我在想該怎麼寫《說謊》的樂曲分析？不然這篇就用最近學到的「簡報」（？）方法，先說結論。 結論就是：這首最主要的經典之處，我認為在於主唱的詮釋。 但一首樂曲分析哪能說得這麼簡單..？剛才突然想到，約莫在十多年前甚至更早期，也就是華語流行音樂萌芽到盛行的時代，像這樣很主流、傳唱度很高，Chorus隨時都可以跟上大合唱的音樂，其實不在少數。這難道都是因為Vocal唱得好？想必你也會認為那只是眾多因素之一。那回到這篇《說謊》，我以段落敘事的方式，來聊聊屬於它的樂曲分析。 Intro與Verse 一開始是四小節重複的前奏，前奏只有鍵盤和合成器的音效，四小節之後馬上進入Verse，加入主唱後，伴奏仍是重複的前奏，Verse唱了四小節，在「可能我浪蕩 讓人家不安」加入了電吉他，延續四小節後進入第二次Verse。 第二次的Verse，爵士鼓過門進來，貝斯、木吉他刷奏、鍵盤整個填滿樂曲。這是滿常見的流行音樂鋪陳的形式，由少到多，這樣的編曲會給人一種聽故事、按圖索驥的感覺，然後這首的做法是直接將很滿的編曲延續到Chorus。 第一次Chorus與間奏 第一次的Chorus，加入了弦樂為Pad，即使整體還是很「滿」，但我會覺得在第一次的Chorus，有點刻意沒有把整個情緒推到高點，或許因為弦樂的關係，讓《說謊》仍維持在一種敘事的氛圍中。然後接下來的間奏，反而覺得算是這首在旋律上，很有亮點的地方。 在這僅僅四小節的間奏，降了一個音後的伴奏順降，會有一種好像調性轉換的錯覺，情緒上也有一種曲折感，即使是簡單的順降５度再回到原來的主旋律上，也可以塑造出很不一樣的情感轉折。 四小節間奏之後很快回到Verse。第二段的Verse編曲跟前面沒有太多不同，但從這裡開始，林宥嘉的聲音有很多發揮的空間，有一種想再繼續聽他唱了什麼的感覺。我自己覺得最迷人的是最後兩句，「聞得到玫瑰花香 被妳一說是有些印象」，“花香和印象” 轉音與鼻音的共鳴，幾乎讓我聽到《說謊》，就只想得到林宥嘉（以下稱Yoga，親切又好寫）。 反覆了三次的Chorus 然後接著進入反覆了很多次的「我沒有說謊」的Chorus。除了因為旋律重複形成的記憶點之外，值得留意的還是Yoga特別的聲線與情緒的詮釋。舉例來說，前面第一次的Chorus我有說到他好像刻意沒有把整個情緒推到高點，讓《說謊》維持在一種敘事的氛圍，在第一次的「我沒有說謊...

快要做完《成名在望》的樂曲分析的時候，就想到要將這首歌當作下一個樂曲分析的曲目，一個乍聽簡單的小品（？），在做分析的當中卻有著不算少的驚喜。 同中求異的鋪陳 這首歌曲的時間不長，如果只是一般地聽過去，我猜旋律和段落的重複應該很高？但在做了分析後，發現旋律雖然也是滿多重複，但卻有很多我想稱之為 “同中求異” 的鋪陳。比如說一開始的第三句「我的心向夏天，那彩虹總算回來」與再重複一次後的「走過泥濘草地，人海中我發現了你」。 又像是 Verse A 和 Verse B，我原本以為 Verse B，也就是「也許還不確定 那麼就試著讓你開心 」這段，會是 Verse A 再重複一次，但分析之後才發現兩段Verse，只有第一句的旋律重複，後面的旋律雖然相似，但仔細聽卻都不相同，我會覺得 Verse B 比較像是 Verse A 的延伸；所以雖然在段落裡都是Verse，但我將它標注成了A和B兩段。  大量的合成器編曲 雖然段落不多，但大量的合成器編曲，還有配器的編曲，是我覺得把整首歌點綴得更完整的地方；像是 Verse B「也許還不確定 那麼就試著讓你開心... 」就加入了類似敲擊的聲音效果，這種素材的聲音，會帶出一種像在敲椰子殼或是貝殼的那種夏日輕鬆感，也讓 Verse B 和 Verse A 以配器做出區隔。Verse B 緊接著的 Chorus，敲果殼的聲音效果，轉成一種類似沙鈴的音效，同樣也是很夏天的素材。 合成器在 Bridge 的地方也有很主軸的呈現，８小節都以合成器作為主旋律的擔綱；以往我對合成器的概念，總覺得偏重、偏硬、很電音，但這首《心向夏天》，卻讓合成器的聲音與夏天的輕快、開心毫無違和，所以我在Instagram上才會說，覺得這首不太能說是一首歌用了什麼配器組合形成，卻是這些配器的融合與表現，直接呈現了一首歌的樣貌 (好像還是無法形容的很具體..)。 人聲和合聲的應用 最後來講講我覺得這首歌一些人聲和合聲的應用。在 Verse B 重複第二次，也就是「總是來來去去  有多麽幸運能遇見你  讓煙火照亮  這段愛情」這段，我很喜歡主唱在唱 “這段愛情” 的聲音表情，可以從歌聲裡掌握到很鮮明的情緒，也讓我發現唱腔的不同，能把聽眾帶向不同的情緒氛圍。 Chorus的編曲巧思 這首的 Chorus 重複了４次，...

好久沒寫部落格文章了..，2021的第一篇就從最近做的「五月天《成名在望》樂曲分析」開始嘍！我將這首歌的結構劃分成幾個部分，主要偏向在編曲的層面來做分析。 首先這首歌很明顯的就是在速度和拍子上做了滿豐富的變化，覺得這些變化聽起來的炫技感並不強烈，反而比較像是幫助帶出歌曲情緒的元素之一。比如說，「穿過了搖滾或糖霜、昧俗或理想...」從這裡開始拍子短暫變化成6/8拍，反而更突顯出循序前進的情緒；樂曲的拍速整體來說是越來越快，分段的感覺也讓整首歌更充滿故事張力感，接下來就從 “分段” 來開始聊嘍！ 樂句分段 光是樂句上的分段就有A到U，也就是整整有21個樂句組成。 一開始我做了樂句的分段，將同樣樂句的表現以英文字母做標註，這個方式可以滿清楚知道整首歌的旋律走向。意外的是，這首《成名在望》居然光是樂句上的分段就有A到U，也就是整整有21個樂句組成。以現在的流行音樂來說，算是變化相當多的了！ 段落分析 這部分我覺得在這首歌裡比較難精準的用一般現代流行音樂的方法來做分析，但用這種分析方式做下來，我也才發現整首歌相當精采的鋪陳編排。首先是一開始的「找一個和弦開始唱...」這是第一段的Verse（主歌），原本以為Verse會重複一次，但「那一年的舞台 沒掌聲 沒聚光...」，在旋律上與第一段Verse句尾並不相同，增加了一些變化，所以我把它歸成Verse B，這兩組Verse以同中求異的方式作表現，有一種依循但增加變化的感覺，我覺得很驚喜。 再來是Chorus（副歌），就像一開始說的，這首歌比較難精準的用現代流行音樂的方法來做分析，但如果要標出Chorus的型態，我覺得有三段，分別是接在第一次Verse B後面的「那黑的終點可有光..」這段我標成Chorus A，中間的「看過多少臉龐 飛過多少異鄉..」標為Chorus B，最後結束前的「那黑的終點可有光 那夜的盡頭可會亮」，雖然歌詞和旋律與Chorus A 有滿多呼應和重複，但速度、配器、情緒卻是完全不同的呈現，所以我將它標註成Chorus C。 另外，Chorus A 的前面一段聽起來比較像是直接從VerseＢ接續，而Chorus B 的前面則是多了一段 Pre-chorus（導歌）做鋪陳，就是「穿過了搖滾或糖霜、昧俗或理想...」；最後的Chorus C，前面接的則是一段電吉他solo，加上速度加...

我對studio One一直有種微妙的感覺，套一句你一定懂的話，那就是..像極了愛情。 最近更新到Studio One 5，但事實上，我對第４版的功能也不算太熟悉，雖然每一次無論是改版或是音樂需要，在印象中我們好像都會花一節課在講它的功能..，於是我其實也聽了大概有3次了吧？但每一次的感覺都差不太多，覺得這個軟體，外表複雜、心思很多、雖然看似繁瑣卻又讓人無比著迷，所以我說它，像極了愛情。 今天跟著教學影片在做練習的時候，試了一個很厲害的功能，叫做「Open Chord Track」，它可以自動配出你想要的和弦，不用自己去想這個調性的和弦該怎麼進行，非常方便，完全是AI人工智慧的高度展現。 但突然我在想，所以學會一個厲害的DAW，是否就能做出厲害又喜歡的音樂了呢..？ 以前會覺得不可能，但就在用了 Studio One之後， 我認為某個程度上還是有可能的；就以這個「 Open Chord Track」的功能來說，它可以在左邊的選擇視窗中，選擇和弦移動的配置，選項有Parallel、Narrow、Bass，我剛才試了一下，發現自己原本設定的Cm和弦，如果採用 Parallel的配置，聽起來會更有感情也更符合這首歌的情緒；也就是說，如果我能非常清楚知道如何去使用這個DAW的各項功能，那麼也就是不斷在發現更多目前還想不到的可能...。 算是有點顛覆我之前對於學習DAW的想法，值得寫一篇心得記錄下來。 我說.. 誰還跟你像極了愛情？Studio One根本真愛來著！

上個月，我剛開始熱切規劃自己的PodCast，同時也經歷著感覺在音樂創作上滿停滯的時期，然後熟悉的編曲軟體Logic Pro也改版了！記得剛改版的第一次上課，就是滿滿的新版Logic Pro 10.5示範...，現在想起來，在當時其實是一種很排拒的感覺。 為什麼排拒？後來又怎麼開始學習新版本？覺得可以寫一篇心得來記錄一下。 如果你已經約略接觸過Logic Pro 10.5的新版本...哎呀，插播一下，我剛才發現Apple為了要改善10.5的穩定性並修正一些錯誤，２天前已經出現了10.5.1的版本；所以如果你不是那種需要急迫嚐鮮和試用新品的族群，其實在很多東西使用上，不妨等到相對穩定一段時間後，再行更新到Debug過的版本。 我的第一個細胞？這是新版本我的第一個Live Loops創作～ 新版本的衝擊 很速食的創作型態？ 說回正題，新版本Logic Pro 10.5最顯而易見的，大概就是Live Loops的模式，雖然之前接觸Ableton Live時就有類似的模式（Clip），但我一直對這樣的模式有種很 “速食” 的感覺，滿顛覆自己對創作的定義，相對那就不是我能駕馭並習慣的方式。 我們只能追著跑，不能跑在前面嗎？ 除了是像這樣新的形式沒那麼快適應之外，另外就是會有一種 “跟不上” 的失落感，這種感受我覺得是影響自己最大的部分。就是原來舊有的版本都沒有辦法摸很熟，還沒有做出很滿意的作品，但此時突然我發現，在做音樂軟體設計的人，已經嗅到目前做音樂的風向是這樣的型態；然後，我們這群數位音樂的新住民，好像只能在後面追著跑？ 換位思考：你多問一句為什麼，世界就不一樣了～ 為什麼我會覺得這樣的型態很速食？ 首先是對我來說「創作變得很速食」這件事，之所以會覺得速食，是因為我一直沒有習慣Loop的創作形式，我對創作的建模在於完整的順序模式（SOP魂？），就是一首歌要有Verse、pre-chorus、chorus..精采的Bridge、合理的outro結束；而每一段有漂亮的樂器配置、好聽的和聲編排。 開發者為什麼想做這種模式的新版本？ 當然大部分所謂完整的作品，很可能還是會偏向上段提的這種順序模式；但站...

三年前剛開始接觸數位音樂的時候，我只有一台MacBook Air，和一些聽得到聲音的耳機。 當年一心一意只想創作音樂，還有做一些彈唱的錄音，沒有很具體的計劃。我記得，當時的老師（嗯，現在也還是..）在我上完第一期的課程時跟我說，要學怎麼做音樂，還是得先從學習聽音樂開始。接下來我開始找尋我人生第一套的監聽喇叭。 印象很深，那時我給自己１個月的時間，幾乎把所有在台中能接觸到的音樂教室、音響耳機店都走了一遍；在一個下著大雨的夜晚，我站在養了一隻貓的音響店裡，主理人拿了一組我其實也忘記什麼牌子的監聽喇叭，然後他要我隨意用手機裡有的音樂試聽看看。我習慣性地按下五月天...然後突然有個疑問，「我要聽什麼？」 「要學怎麼做音樂，還是得先從學習聽音樂開始」「你要多聽一下別人的歌」，類似這樣的話在我接下來學習編曲、作曲、錄音的過程裡，應該聽過不下百遍。我大概知道意思，但很多時候還是會浮現出下大雨那晚，我站在一組監聽喇叭面前的疑惑，「所以我要聽什麼？」 到了最近，我都換了第二套監聽喇叭了...，差不多兩個禮拜前吧？！上課的時候我們聽了最近才又修過的弦樂和貝斯，老師又說「你要聽一下別人的歌」，然後他告訴我，原來是因為我的某段弦樂，小提琴高頻的部分都偏在同一邊，所以歌曲進行到那段時，在聽覺上就會顯得不協調。 事後當我再試著修改的時候，我將中提琴的和聲做了一些調整，同時在樂器的位置上也做了一些微調，之前音頻位置偏差的問題，現在聽起來是好一點了...然後我突然有點感謝那個三年前站在監聽喇叭前，不知道要用監聽喇叭聽什麼的自己 XD 每個不斷發現新的問題，設法解決的過程，都是更前進一步的印記。至於要怎麼發現？怎麼解惑？又怎麼繼續向前走...？我想每個人都有著自己獨有的方法，但唯一不變的事情是，這要真的去做才會知道。 我猜我也還會聽好幾次，「你要多聽一下別人的歌」。

最近因為編弦樂的關係，我經歷了一些起伏、失敗，但很可貴的是，我覺得自己從這樣的經驗裡重新思考了一些事情，並且調整了方式和心態，最值得被記錄下來的，就是「做音樂不要趕」的體悟。 事情的經過大概是因為我最近開始嘗試做影片，本來只是覺得有趣就做了第一部，但第二部居然隔一個禮拜也做出來了..，我突然想，那乾脆做得徹底一點，就固定做一段時間，然後用這種 “固定時間 推動” 的方式學習更多剪片、拍片、控制聲音、畫面...的技巧。 結果最近有一次，我用了太多時間心力在做影片上，修改弦樂的部分雖然也做完了，但卻做得很趕，忽略了很多本來就應該知道的部分，在做得當下其實就是一種..只想把東西趕出來的心態。但往往這麼做的時候，即使自己沒有意識到，卻會充分地展現在作品之中，而且通常極容易被識破。 老實說，事後想想我其實滿懊惱的，覺得自己怎麼會犯下這樣的錯誤？然後突然就有點排斥繼續做影片這件事...，但應該不是只能２選１的去做吧？！ 於是我進行了一次自我書寫，幫助自己梳理整個狀態，以及我該如何去做才能使自己更接近身心靈的平衡 XD ， 很快地我就找到了答案。 首先，我釐清了問題是出在時間和體力的分配上沒有處理好，並不是做影片這件事的關係，但我還是想繼續在固定時間內產出影片來，一直以來我都滿肯定自己在「固定時間完成東西」這種方式所累積起來的能力（當然更大的部份是因為這樣能幫助我累積更多的自信..），所以我想繼續完成做Vlog的經驗。 但如果是做音樂，我其實已經持續了不算短的時間，他跟學做影片不太一樣的地方是，做音樂對我現階段的狀態，比較像是一輩子持續會做的事情；所以我給自己的態度是，我當然要認真去看待我在音樂上的練習，而練習的過程也應該要是我現在能達到最好的程度，而不是應付自己可以交作業這樣的心態。 所以，我如果真的想要在這段時間內還要產出影片，那我音樂就不要做的很趕或是硬做。神奇的事情是，當我真的這麼思考的同時，我的弦樂就順利編出來，而且還是相對比較滿意的樣子。被自己嚇到的另件事情是，我居然還有體力又加修了貝斯的部分！雖然後來又發現更多問題...；而同時，我的影片也都有如期產出。 當然，在後來編修弦樂的時候，其實我也有嘗試到一個覺得滿適合自己的方式，這個之後再來分享好了！這篇的重點就是..做音樂不要趕。將我的心得分享給大家，雖然這一、兩個禮拜的心情真...

最近在練習並修改弦樂的部分，雖然..其實..我真的覺得滿繁瑣的，但我再次認知了一件重要的事情，那就是練習「模仿」的重要性。 不管是創作任何形式的作品，相信每個創作者，應該都會經歷一種 “想做出自己的東西” 的情懷；但當我花越多的時間沈浸在自己的作品當中，就容易有種很難客觀的感受，好像聽起來都過得去？但哪邊又會無法到位的感覺。 然後我想起自己在很久以前，曾使用模仿的方式做過一個音樂創作的練習，我把一些喜歡的歌曲彙整起來，模仿他們旋律和節奏進行的方式，做了一個專案。雖然這首歌現在看起來有很多可以調整的地方，但在模仿的過程裡，就是不斷在練習做音樂的方法。 一年多前模仿旋律 和節奏進行的方式，做了一個簡單的專案～ 說回弦樂，在我的YouTube清單裡，有一個練習聽弦樂的播放清單，裡面都是我覺得弦樂編得很能借鏡的作品，但往往都只是聽過去，累積的能量感並不顯著。直到最近上課的時候，聽了一些音樂作品，我才有點恍然大悟地發現，原來大部分的歌曲，在弦樂上並不太會有很滿的存在感，它通常會是循序漸進地被帶入，或是以點綴的方式進行， 而這個面向就是我一直忽略聽到的部分..。 最後跟大家分享一個最近的心得，前幾天朋友問我，為什麼一首歌要寫這麼久？並且他覺得我讓做音樂這件事，佔掉自己生活太多時間；事實上在寫這首歌的同時，我也做了不少音樂日記，甚至也有幾首，我認為算是目前能力所及還滿完整的作品。 但我也漸漸發現，就做音樂這件事情來說，我已經不太會用 “佔掉生活多少時間” 、“花了多少時間完成” 的心態去對待它，因為那就已經是實踐生活的一部份了，我可能會不斷打掉重練很多東西，但每次在做其實都是一種前進和學習；如果生活裡每件事都「咚」一下就完成了，那不是很無聊嗎 XD。 所以，說實在我也不太強求身邊的人都能理解這一點啦，但就是如果有人懂的話，則是我幸，反之，就真的是緣分了～～ 好奇怪的結論，我還是繼續把弦樂打掉重練吧.....！這篇最主要還是要跟大家分享，「模仿」可能比我們想像的更重要唷！ 對了，我最近開了一個新的YouTube頻道，會把一些音樂作品，還有做的Vlog影片放在頻道中，算是幫助自己做一個紀錄，同時也想嘗試用喜歡的方式，去學習並分享更多新的東西。歡迎大家到我的頻道看看，喜歡就訂閱起來！ 另外以下這些地方也能追蹤到我們，歡迎你一起＃以音...

這個月的第一篇，來聊聊最近練習聽音樂的一個驚喜～ 緣起是我最近在熟悉的網站上，看到一篇同樣在學習數位音樂的長輩他的心得分享；發現其中有些 心得與收穫，即使我知道他描述的是什麼，但自己卻似乎從沒有認真感受到類似的喜悅，覺得這對我的學習經驗來說，好像有點可惜...。 那篇文章裡提了很多，讓我比較深刻的，是他提到 「 音樂可以有畫面，舉例說一首歌的鼓，用不同的節奏時產生了不同的變化。 」 讓我覺得更佩服的是，他說 「 當閉起眼睛聽的時候，還可以看到（感覺）相對的畫面。 」 如果以我的解讀，要體會這樣的畫面感，或許是要仔細去聽「單一樂器在整首歌曲裡，是如何的存在？」雖然也不太確定這樣思考的邏輯對不對..，但既然我的 “畫面感” 一直以來都很薄弱，乾脆嘗試一下這個沒認真試過的方法。 第一次感覺到驚喜，好像是午休時趴在桌上邊聽YouTube邊睡覺發生的 XD，那首是五月天的《OAOA》，這首的前奏，弦樂的部分有很長的鋪陳，本來想說那就單聽弦樂怎麼 “存在” 好了，結果Vocal進來，同時我也快要睡著的時候，突然發現..「天阿，這個電吉他也太好聽了吧！」 之後我在Apple Music上，分別聽了兩個中文版（就是五迷才會懂的明日版與末日版～）、日文版、還有flumpool的版本。認認真真發現，每個版本的電吉他，都有不同的 “存在”。而中文版和日文版，我聽起來像是因為Vocal放的空間位置不太一樣，所以電吉他即使和聲相同，卻也有不一樣的存在感！ 然後像是 flumpool的版本，因為全部重新編曲過，所以即使節奏感跟原曲相近，但因為他們用了許多新的和弦配置，整體感覺和原曲比較後就發現有很多差異。 如果要形容一種畫面的話，五月天用的和弦比較像是，「在一個安靜的空間，撫心自我激勵，終見光明」；而 flumpool的版本比較熱鬧，像是「一大群人在一個開放的空間，共同奮戰，迎向勝利」。嗯，我突然想到，類似在 “健身房運動” 與 “跑馬拉松” 兩者這樣的差別...。 總之，有了這個 《OAOA》的驚喜之後，我現在會試著朝 “單一存在” （可能是樂器、也可能是和弦）去感覺這個 “單一” 是如何存在於整首音樂之中，他被放在哪裡？又形成了什麼模樣。隨著學的東西越來越多，昨晚開車聽音樂，我甚至腦海還閃過這首歌在 overhead 和 room...

不知道大家在學習創作音樂的時候，有沒有過那種...一個地方過不去，但未來的某一天突然就懂了的狀態？ 最近我又經歷了類似這樣的經驗，覺得很適合寫在這裡分享給大家。 話說從我學習數位音樂和編曲開始，一直有個盲點，就是我沒有辦法將 “力度” 和 “音量”，拆開來思考。而我猜測大部分以鋼琴（或許鼓手也是？）為主要學習的人，應該在接觸數位音樂時都會遇到這關？ 因為很自然地在我的概念裡，鍵盤彈得用力一些，聲量當然會大；但其實調整力度的變化，應該是用來詮釋音樂的表情，而不是控制音量的大小。 那音量的大小要用什麼來控制？一直到上禮拜，我才真正弄清楚，數位音樂裡的每個..物件（？），不管是音色、效果的plug-in，乃至於DAW透過錄音介面輸出到喇叭或耳機產生的聲響，每個環節都有著各自「輸入和輸出」的管道來控制音量。 在上星期之前，即使很常聽到老師說，「調整力度跟音量沒關係」，但其實我根本抓不到兩者沒關係是怎樣的概念？更不用說以 “輸入和輸出” 的邏輯去思考音量控制的應用了！ 嗯，這大概也是持續上課的一種好處吧！雖然當我突然發現這件事的時候，一度覺得很灰心..，但不過就只花了洗個手的時間，卻突然有種豁然開朗，覺得這應該也算是一種突破盲點的進步吧.. XD （自我感覺良好的功力與日俱進～ 把這個經驗分享給大家，同時也提醒自己，一個保有學習力狀態的人，應該是能夠更柔軟的去認知並且對待，自己和他人都會有各自的想法、邏輯、限制，甚至是盲點...。 農曆新年剛過，新的一年我有些新的策略與規劃，心態上也不太像從前有那種自我挑戰的意味，反而是一種讓自己嘗試看看的心境..。不過這裡的學習心得文章，我會盡可能按時跟大家見面的唷！ 新的一年祝福大家，使自己平安健康、幸福快樂、擁有學習力的能力...樣樣都能與日俱增！！ 新年快樂～

這個月的第一篇，來聊聊最近做的聽音樂練習。話說即使一直有在進行 聽音樂和做音樂的練習， 但與其說是 “持續前進” ，最近倒覺得比較像是一場破關的..遊戲（競賽）？而競技的對手就是自己。 總之，前陣子突然意識到，我希望我做出來的音樂，是能夠實在表露意象和情感的！但要不就是創作完卻達不到想要的境界，要不就是無法具象說出這段音樂在表達什麼畫面...。在糾結了幾天，也跟老師討論了一下之後，我在聽音樂的練習上做了一些調整，也初步歸納了幾個用音樂表達感情的關鍵，像是和弦、編曲、故事性...。其中 “聽和弦”，算是在練習裡最有感的部分，這篇就來聊聊，我在聽和弦上的心得。 ｜ 不同的和弦使用，帶來不同的感情 相信大家都有過一個經驗，聽同樣一首歌不同的版本，就會呈現不一樣的畫面。而這個 “不同畫面” 的感覺是怎麼產生的？可能就是用的和聲（和弦）不同。 以偶像五月天的《派對動物》舉個例子，我很喜歡演唱會版本的《派對動物》，尤其是一開始「呀呀呀  呀呀  呀呀，噢噢噢噢噢噢噢」（嗯..這是歌詞），我把試聽連結放在文末；仔細聽會發現這裡用的和弦，和專輯收錄裡用的並不相同。 聽專輯的版本有一種派對的歡樂感，雖然歌詞描寫的是一種大人世界裡，不得不妥協的悵然...，但說個題外話，我覺得阿信很擅長這樣的詞曲創作，就是用很正向歡樂的曲風，描述偏向沈重的題材（例如像是《瘋狂世界》）。 嗯，說回《派對動物》，有別於專輯的版本，在演唱會版中的《派對動物》，一開始卻給了我一種醞釀、循序漸進、要慢慢探險...不知道前方是什麼的感覺，跟專輯裡呈現的派對歡樂感很不一樣。 後來我稍微分析了一下，這首歌的調性是小調，在前奏與主歌之間那一段，就是 「呀呀呀  呀呀  呀呀，噢噢噢噢噢噢噢」，即使兩個版本同樣調性，同樣弦律，但使用的根音不同、和弦不同，帶出來的感覺就會不相同。 ｜後記 雖然我的樂理已經完完全全還給老師和書本了...，但其實只要用聽的，有一點音階和和弦的概念，去感受不同和聲傳達出來的是什麼樣的感情，久而久之應該可以內化成音樂資料庫裡的素材吧！！ 關於這樣的能力，我也還在持續累積中，會不會有什麼成效，大概也要走一段時間才會知道。喔，對了，一開始不是說最近有種做...

這個月的第一篇，想來紀錄一下自己最近在數位音樂上學習與練習的心得。 應該跟大部分的學習者一樣，在學習了好一陣子之後，已經能獨立完成一首歌、也買了不少的軟體、器材、plug-ins，但卻覺得未知的東西仍然非常多，有種學習的進度趕不上買東西的速度的感覺...。 再加上我的歌已經做了將近要一年了，即使中間也做了一些..當下覺得還算完整的作品，但我現在對於作一首完整的歌的定義，已經起碼是要編曲好聽，然後可以自己做混音。 所以即使當靈感豐沛的時候，我可以想出很多有意思的詞和曲，甚至也能再作編曲發展成一首新歌，但很快就會遇到問題。比如說：鼓編的很怪、吉他彈得不太漂亮、想用Ableton Live錄音卻因為跟他不熟，而花太多時間在排除問題..。 這樣之後，新歌的表現就會變得比較娛樂性，或許放在社群媒體上大家開心，我也很開心；但就長遠來說，娛樂並不是我在做音樂上主要的目的；也不難想像這樣的東西做多做久了，有趣和新奇的感覺，一定會慢慢降低。 於是後來我決定，先把舊歌好好做完！一年兩年，就跟他耗看看，畢竟，以後我的自傳裡還可以寫說：我曾經花了__年只為寫好一首歌啊 XD，但是，很多問題一樣會跑出來...... 像是編鼓。因為對鼓實在太不熟悉，編出來的鼓就會不像鼓手打的鼓，所以前陣子開始練手指鼓，想要更熟悉鼓的Grooving，而目前看來除了持續練習對鼓的敏銳度之外，我大概也沒辦法找出什麼速成編鼓的SOP大絕招。其他像是錄Vocal、器材的設定、插件怎麼用...，通通也都會遇到類似的問題，常常時間跟進度就卡在那裡。 在經歷一段這樣的學習狀況之後，我又好好發揮了自己收納整理的能力（？）用寫字的方式重擬了一下目前的學習計畫。 首先重點還是放在把舊歌做完。但有些需要花很長時間培養的能力，像是熟悉鼓的Grooving和彈吉他的能力，我會以一個禮拜為單位，固定做手指鼓和吉他的練習，然後建議大家練習時不用把次數和時間綁得太緊，比如說就不要想說每天都要練習多久時間，這樣我自己覺得很容易會達不到就放棄了！ 目前我的方法是一個禮拜最少要彈三次吉他，練什麼都行，因為我的目標也不是要當吉他手嘛！至於手指鼓，因為這是很想趕快熟悉的部分，所以一個禮拜我會練四次，原則上會照著「The Quest for Groove」網站上...

Ableton Live 介面 不知道大家怎麼看待安裝、設定..不管是樂器、軟體、各式各樣的插件這些學問。大部分的人應該都會覺得學習這些很費時、很耗能..當安裝註冊完成之後，可能剛才寫歌的靈感也沒了..你也會這樣嗎？ 我也常這樣，像是現在。但其實我最近會換個角度看這些事情，就是這些安裝設定乍看很複雜？（嗯..對我來說真的很複雜），但那是因為我對他的邏輯脈絡不清楚，而每次安裝的過程，其實就是在釐清脈絡的流程，有人帶或許快很多，但自己摸..可能會花很多時間，但對這些安裝設定的邏輯就會越來越清晰。 每個人的學習過程，擅長的面向本就不同；所幸，大部分的安裝設定，幾乎都有SOP，我想那真的比實際做音樂容易更多。做音樂，可不是SOP都對了，就能寫出像你自己又好聽的歌呢...。 所以或者我們都不用太害怕練習這些安裝設定什麼的。最近看到一段話，但此時我實在太睏忘記是誰講的了，大概是說，人生很多事情不是光去想「如何平衡」就好，而是要取捨。像這種安裝設定有SOP的東西，前幾次或許得拿做音樂的時間去換，但只要願意花時間，後面我們或許就會得到更多作音樂的時間。 最後大家看到今天的封面照片是Ableton Live的介面，我最近開始使用這個DAW，預告一下之後應該也會放一些Ableton Live的使用心得在這裡，比如說，我現在已經又被下面這個Midi鍵盤的設定卡住了..，但沒關係，我總是會學會的。只是需要時間！！！ https://www.native-instruments.com/en/a-series-quickstart/?utm_source=kksw&utm_medium=kksw&utm_campaign=kksw #Native Instruments  #Komplete

昨天心血來潮，用Logic分析了兩首Chorus很像的歌，覺得可以在這邊紀錄一下，這兩首歌分別是：蕭秉治的《天使見證的愛情Merry Me》以及黃義達的《顯微鏡下的愛情》。有聽過這兩首歌的朋友應該很訝異，明明一首是在告白求婚的歌，一首就是 “原來愛情只是回不去的旅行” 的悲歌，怎麼會像呢？？ 我先將兩首很像的Chorus旋律抓出來，《天使見證的愛情》用橘色區塊顯示，那段歌詞是「喜歡你  只想要在一起  只想要守護你  直到我們都老去」。《顯微鏡下的愛情》用藍色的區塊顯示，歌詞是「 遇見妳 之後愛上妳 然後恨透妳 原來 愛是回不去的旅行 」。 抓出旋律後，兩首歌的速度差很多，但我們主要是看旋律線，所以我將兩個區塊的音符修飾到差不多的速度，但結構不變。如此更容易做辨識，然後我們來看看這兩段旋律很相像的地方。 他的句型都是先主要的三個音，然後接短短的幾個音，又回到主要的三個音。橘色那首就是「喜歡你」是主要三個音，「只想要」是短短３個音，「在一起」回到主要三個音，雖然第一個音做了順降，但結構還是一樣。藍色那首的話，「遇見你」是主要的三個音，「之後」是接了兩個短短的音，「愛上你」又回到主要的三個音，這首的主要３個音他也在２、３音做了變化，但結構也是一樣的。 第三小節的主要三個音，他們的邏輯幾乎一樣，橘色是「守護你」，藍色是「恨透妳」。雖然「守護你」的１、２音跳比較高，而「恨透你」的１、２音相對接近，但邏輯是一樣的。最後四個音，雖然音符不同，但排列方式相同，橘色是「們都老去」，藍色是「去的旅行」。 補充一下，其實Chorus會相像，我剛剛覺得還有一個原因，就是兩首歌的韻腳一樣，都是「ㄧ」和「ㄥ」的韻腳。所以歌詞也是會影響兩首歌相像的因素。 以上就是我分析兩首的旋律類似的地方。雖然兩首都在講愛情，雖然Chorus的旋律很類似，但有沒有發現兩首歌還是很截然不同呢？那就是編曲的魔力嘍！！

我也不知道為什麼就決定下這麼突兀的標題。可能因為剛看完鄭問老師在故宮的展覽，突然覺得，所有的情感、觸感，都可以通過藝術創作被實現，做音樂也是。 但是，現在可以用來聽音樂的平台這麼多，甚至不用花錢，就可以聽到一整張完整的專輯，消費者不用花錢，創作者無法獲利，那誰要創作？誰要寫歌？ 我為什麼要學做音樂？現在還是挺天真浪漫的，我想要透過學做音樂、學寫歌、真正創作出自己會喜歡的歌，來成為一個自己想變成的人。不是一個很會寫歌的人，是個能成就自己的人。就像是鄭問老師，在所有學習的累積之後，他說：最後選擇自己的直覺。 為什麼要做音樂？這沒有sop，也沒有標準答案，只因為我要為自己真正活過。雖然還是有點天真浪漫，但我滿希望自己能繼續  “務實的天真浪漫” 下去。話說回來，如果聽音樂的人都不付費，到底誰要創作音樂？又有多少人能真正勇敢務實的天真浪漫...?! 祝我20180712生日快樂，祝我能勇敢的繼續學習做音樂，勇敢的為成為自己而努力。 去年生日的時候還在用garageband，該再來寫首歌了！