數位音樂學習心得

在2020的歲末年終之際，總覺得還是要在這部落格寫篇文章。 前陣子因緣際會認識了一位音樂科班出身的 老師，跟他聊了一些在「數位音樂」上學習的過程和心得，老師不是數位音樂的鑽研者，他很強調 “樂理作曲” 和 “樂器練習” 在創作上的重要性。有次他跟我說：要去思考妳用電腦畫出來的音樂，是否能讓演奏者能彈得出來? 「所以數位音樂的創作最終還是需要回到能  “被演奏” 嗎？」我心底冒出這樣的疑問。 而 讓我想更多的是，音樂系科班出身和非科班出身的音樂工作者，為什麼存有一種很二分法的氛圍？那我會適合的又是那一種？ 這位音樂科班出身的老師有一個很奇妙的舉例，他告訴我，「如果骨頭有問題，你不到醫院找骨科權威治療，反而只在國術館喬，這樣骨頭會好嗎？」 --- 說到這裡讓我插播一下 --- 不好意思，本人只要聽到那種似是而非的醫療觀念，就會激起衛教魂...事實是這樣的，除非是明顯的骨折或是確認是骨頭的問題，那當然掛骨科沒錯，不過骨科的範圍很大，所謂「權威」也是要看他是對哪部分的骨頭問題是權威；同時，並非所有骨頭的問題第一時間都是看骨科。這樣說好了，假如是肋骨骨折引發氣胸，那麼要優先處理的就不是骨頭復位的問題，而是要先找胸腔外科處理氣胸。有時我們看似像骨頭問題，但背後也有可能是其他問題導致的，像是免疫、神經、癌症...。然後因為我對國術館幾乎毫無認知，所以覺得不能去做所謂優劣的評斷，但覺得重要的事情就是，不要延誤病情，並用合理適宜的方式，讓自己得到身心健康。 --- 插播結束，我們回到音樂上 --- 我在想，那「數位音樂在於音樂創作上的獨特性是什麼？」另外，我會怎麼看待「音樂創作是否需要深厚的理論基礎和演奏能力？」 在學習的這幾年裡，我覺得 數位音樂 在音樂創作中所擁有的獨特性，來自於「編曲表現性」，另一則是數位音樂能做到很多 “不人性卻又很人性” 的樣貌，而這反而開拓了對音樂的想像。 「編曲表現性」 就像是使用音樂軟體都有的記錄功能，當我將這段旋律不管是midi輸入或是Audio的錄音輸入，他會變成一個數位的檔案並完整保留原來的面貌，之後可以依據其他樂器的加入或者不同的想法，去做音樂呈現上的調整。 這種能 “完整記錄的功能” 以及隨時隨地可以 “改變參數的功能” ，是我個人覺得很能刺激編曲的表現；用音樂軟體作編曲，也同時是我自己在學數位音樂當中，覺得最有趣的部分之一。 而上面...

上個月，我剛開始熱切規劃自己的PodCast，同時也經歷著感覺在音樂創作上滿停滯的時期，然後熟悉的編曲軟體Logic Pro也改版了！記得剛改版的第一次上課，就是滿滿的新版Logic Pro 10.5示範...，現在想起來，在當時其實是一種很排拒的感覺。 為什麼排拒？後來又怎麼開始學習新版本？覺得可以寫一篇心得來記錄一下。 如果你已經約略接觸過Logic Pro 10.5的新版本...哎呀，插播一下，我剛才發現Apple為了要改善10.5的穩定性並修正一些錯誤，２天前已經出現了10.5.1的版本；所以如果你不是那種需要急迫嚐鮮和試用新品的族群，其實在很多東西使用上，不妨等到相對穩定一段時間後，再行更新到Debug過的版本。 我的第一個細胞？這是新版本我的第一個Live Loops創作～ 新版本的衝擊 很速食的創作型態？ 說回正題，新版本Logic Pro 10.5最顯而易見的，大概就是Live Loops的模式，雖然之前接觸Ableton Live時就有類似的模式（Clip），但我一直對這樣的模式有種很 “速食” 的感覺，滿顛覆自己對創作的定義，相對那就不是我能駕馭並習慣的方式。 我們只能追著跑，不能跑在前面嗎？ 除了是像這樣新的形式沒那麼快適應之外，另外就是會有一種 “跟不上” 的失落感，這種感受我覺得是影響自己最大的部分。就是原來舊有的版本都沒有辦法摸很熟，還沒有做出很滿意的作品，但此時突然我發現，在做音樂軟體設計的人，已經嗅到目前做音樂的風向是這樣的型態；然後，我們這群數位音樂的新住民，好像只能在後面追著跑？ 換位思考：你多問一句為什麼，世界就不一樣了～ 為什麼我會覺得這樣的型態很速食？ 首先是對我來說「創作變得很速食」這件事，之所以會覺得速食，是因為我一直沒有習慣Loop的創作形式，我對創作的建模在於完整的順序模式（SOP魂？），就是一首歌要有Verse、pre-chorus、chorus..精采的Bridge、合理的outro結束；而每一段有漂亮的樂器配置、好聽的和聲編排。 開發者為什麼想做這種模式的新版本？ 當然大部分所謂完整的作品，很可能還是會偏向上段提的這種順序模式；但站...

這個月的第一篇，來聊聊最近練習聽音樂的一個驚喜～ 緣起是我最近在熟悉的網站上，看到一篇同樣在學習數位音樂的長輩他的心得分享；發現其中有些 心得與收穫，即使我知道他描述的是什麼，但自己卻似乎從沒有認真感受到類似的喜悅，覺得這對我的學習經驗來說，好像有點可惜...。 那篇文章裡提了很多，讓我比較深刻的，是他提到 「 音樂可以有畫面，舉例說一首歌的鼓，用不同的節奏時產生了不同的變化。 」 讓我覺得更佩服的是，他說 「 當閉起眼睛聽的時候，還可以看到（感覺）相對的畫面。 」 如果以我的解讀，要體會這樣的畫面感，或許是要仔細去聽「單一樂器在整首歌曲裡，是如何的存在？」雖然也不太確定這樣思考的邏輯對不對..，但既然我的 “畫面感” 一直以來都很薄弱，乾脆嘗試一下這個沒認真試過的方法。 第一次感覺到驚喜，好像是午休時趴在桌上邊聽YouTube邊睡覺發生的 XD，那首是五月天的《OAOA》，這首的前奏，弦樂的部分有很長的鋪陳，本來想說那就單聽弦樂怎麼 “存在” 好了，結果Vocal進來，同時我也快要睡著的時候，突然發現..「天阿，這個電吉他也太好聽了吧！」 之後我在Apple Music上，分別聽了兩個中文版（就是五迷才會懂的明日版與末日版～）、日文版、還有flumpool的版本。認認真真發現，每個版本的電吉他，都有不同的 “存在”。而中文版和日文版，我聽起來像是因為Vocal放的空間位置不太一樣，所以電吉他即使和聲相同，卻也有不一樣的存在感！ 然後像是 flumpool的版本，因為全部重新編曲過，所以即使節奏感跟原曲相近，但因為他們用了許多新的和弦配置，整體感覺和原曲比較後就發現有很多差異。 如果要形容一種畫面的話，五月天用的和弦比較像是，「在一個安靜的空間，撫心自我激勵，終見光明」；而 flumpool的版本比較熱鬧，像是「一大群人在一個開放的空間，共同奮戰，迎向勝利」。嗯，我突然想到，類似在 “健身房運動” 與 “跑馬拉松” 兩者這樣的差別...。 總之，有了這個 《OAOA》的驚喜之後，我現在會試著朝 “單一存在” （可能是樂器、也可能是和弦）去感覺這個 “單一” 是如何存在於整首音樂之中，他被放在哪裡？又形成了什麼模樣。隨著學的東西越來越多，昨晚開車聽音樂，我甚至腦海還閃過這首歌在 overhead 和 room...

之前提到我有一首做了快一年的歌曲，之所以會做了快一年，不意外就是在每個步驟都做了許多的修正..。 做音樂的檔案通常都不小，也不像文字檔案，即使另存了很多新的版本，也幾乎佔不了多大的空間。所以今天要來跟大家介紹在Logic Pro裡有一個惠我良多的功能，Alternative，讓你的檔案能有順序的進行編排，做個一、兩年也不用擔心會亂掉...（雖然還是有可能因為其他變項亂掉啦..，但少一個是一個嘛！） ----- File  >  Project Alternative  >  New Alternative 當我們的專案做到一個段落，類似這個Demo的第一個版本，想要再修改相關的內容，像是換個軟體樂器、Vocal要重錄、編曲要重做...總之就是認真做的話一定會遇到的種種狀況，這時候我們就可以再開啟一個Alternative做編輯 ( File  >  Project Alternative  >  New Alternative )，接著為這個新的版本做個命名 。 他有點類似另存新檔的功能，可以直接用原來的版本內容繼續編輯；而且更方便的是，這在同個專案內就可以共存許多不同的版本，同時也可以依著自己的需求，重新選擇要以哪個版本作修改。但要注意的是..，如果你跟我一樣，一首歌做一年還做不完，那這些越來越多的版本，還是會讓你的專案越來越大...。 ----- 再來是編輯Alternative的功能。當我們需要做Alternative的更名或是刪除時，就可以使用這個功能（ File  >  Project Alternative  >  Edit Alternative   ），同時這也能讓專案中所有存過的Alternative一目了然。 後記： 這個Alternative的簡單功能介紹就到這裡，分享給所有正在努力做音樂的大家～～ 最近在做練習時，再次覺得 "自己動手做"，其實應該是比找教學影片更重要的事情；我們看人家拍教學影片覺得好像很簡單，10幾分鐘就可以把一個功能或方法完成，但實際自己跟著做一次的時候，就可能會產生許多變項，或者...

仔細想起來，我的Maschine Mikro Mk3也買了差不多快1年了，當初買它，倒不是為了可以打手指鼓，其實只要有Midi鍵盤，簡單設定..甚至根本不用設定，都可以作鼓件的編輯。會買Maschine，是因為我覺得自己需要一台不是琴鍵介面的Midi控制器... (為什麼打完這段我有一種硬拗的感覺) 螢幕上是手指鼓的教學網站：The Quest for Groove (超推薦～) 總之，它就這樣默默陪了我快一年，偶爾我會用它做一些練習，但漸漸我擦灰塵的機會好像比練習的次數高很多點..。直到最近，我開始編自己寫的歌的鼓。如果你看過我之前的學習札記，應該會發現我的鼓常常就直接用內建鼓手的套件，或是其他軟體現成的Loop，雖然都會做一些微調，但就有點像是將一堆高級食材買來家裡擺盤拍照，怎樣都少一味。 然後最近某次上課，我看老師用著Maschine直接打手指鼓錄進去再修改，他告訴我，要把鼓編得好聽又合理，就必須去熟悉鼓的Groove。 Groove這個詞我曾聽五月天的鼓手冠佑提過，所以略懂那大概就是一種鼓的律動感的描述，那要如何增加對Groove的熟悉？多聽音樂然後試著抓出鼓譜一定有幫助，如果口袋深一點的話，就直接去買一套鼓來練習更有用，但那就比較像在學樂器了... 於是我衡量了一下自己目前的狀況，手指鼓應該會是最好的選擇。主要是因為我有Maschine，它的Pad設計，本身就可以做比較符合鼓件的練習，而且一樣東西每天練一點，肯定會對整個脈絡更熟悉，即使無法馬上編出很漂亮的鼓，但多熟悉一樣新的東西，多學一樣跟音樂有關的事物，至少我自己會覺得很開心！我猜想，這樣持續練習久了，應該也可以內化成一種能力，編出更好聽合理的鼓吧！ 所以之前有人問：「小朋友適合學手指鼓嗎？」我覺得這問題就像是小朋友適不適合學鋼琴、吉他一樣，只要肌肉發展到一定的成熟度，沒什麼適合不適合，但要去看你的目的是什麼？如果是想增加對律動的熟悉感，又想學一樣節奏性的樂器的話，與其學手指鼓，我倒覺得直接學爵士鼓或打擊樂更合適，而且看起來也帥很多..XD。 說回我自己的計畫...，所以最近我po的那些看起來很像在打電動、做感覺統合復健的手指鼓練習影片，其實都是試著在做一種學習和累積，我的目的是要熟悉鼓的Groove，然後可以增加自己創作的多元性...

趕在７月就要結束前，來跟大家分享一下我最近的編曲方式。最近我用了10幾天做了一首歌，其實要修的地方應該還可以很多，但因為想給自己一個..挑戰？於是就想說那來試試看15天完成作曲、作詞、編曲、錄音，還有一點點的混音。最後我大概花了18天吧，但覺得還不錯，算是我人生第二首寫得比較完整的歌。 1. 確定旋律 一剛開始其實是想用木吉他實際錄一段旋律，因為覺得還不錯，就慢慢依著旋律發展成一首歌，所以第一個確定的是旋律，還有曲式段落的安排。然後我就先用midi彈好了整首的旋律。 2. 錄木吉他 接著我用了一個晚上把木吉他會用上的樂句錄完，但其實最後留下來的也只有相同的８小節XD，吉他不管是彈奏或是錄音的能力，對我來說還是條漫漫長路啊... 3. 鋼琴編曲 因為對鋼琴最熟，所以我決定還是使用鋼琴作為主要的伴奏，鋼琴用的是Native Instruments的軟體樂器插件...嗯，其實所有的midi樂器我都是用他們家的。（因為那同時是我截至目前買過最貴的數位音樂素材啊..） 樂器的編曲我會試著一段一段錄，鋼琴的話就是跟著旋律彈出自己想要的配奏，主要還是以和弦為主，頂多就是在和弦的節奏上做一些變化，一方面是不想讓鋼琴的表現太多，搶掉太多主旋律的風采..？每段的鋼琴配奏確定之後，我就直接修力度，最後的結果我覺得應該還算是讓他發揮得不錯。 4. 歌詞 歌詞我花很多時間，一直到要配唱的後面２天都還在改歌詞。有寫過歌詞的人大概都會有這種經驗，整個寫寫改改，但這次的歌詞我仍然覺的整個不錯，雖然我不得不說寫歌詞這件事，真的滿複雜的；因為那不是寫詩，除了要有韻腳之外，還要唱起來不會很繞口。這首的歌詞很多我都滿喜歡的，覺得意象很美好，而且不會很..深奧，即使直白又不失美感（也算很敢說XD）。跟大家分享我自己覺得寫得最經典的幾段「千與千尋，到艾比路傳奇」「多意外的一道風景，因為旅程遇見是你，雖然沒有變得多了不起，但你讓我成為了自己」「多希望走到下世紀，雖然可能也來不及，但是我們可以寫很多歌曲， 蔓延 回憶太空旅行」。你是不是也覺得很美呢？ 5. 貝斯編曲 一邊寫歌詞的同時，我就開始做貝斯編曲，我記得貝斯差不多花了2-3個晚上吧？因為不會而且也沒有貝斯，所以我直接用鍵盤彈貝斯。不過這裡還是要說一下，盡量可以用原來的樂器錄音會最好。編貝斯的過程...

最近還在做Demo，雖然做Demo的順序這個主題，好像在我一開始寫這個Blog的時候就寫過了，但時隔快兩年後的現在，我又再度體會到它的重要性。 最重要的事情就是... 你要先決定最後的成品要不要唱人聲！！！ 如果要，那旋律寫出來後，一定要先試著跟著配奏唱一次，不只是音高要唱得到也唱的好聽，還有換氣記得也要考慮，然後就是速度。 至於詞的話，之後都可以調整。但如果一開始沒唱過，就先做了部分的編曲，再回來改音高、換氣、速度，牽一髮而動全身...通通要抓的剛剛好，要不然就是要重新編。很可怕... 那為什麼不乾脆就做音樂就好，不用人聲？也可以！不過我會寫現在這首歌的Demo，是因為我之後想接著學混音，總也要會混人聲吧..我現在是這樣想的。 好的，這篇就短短跟大家聊到這裡，因為我要繼續調整了。記得： 旋律寫出來後，一定要先試著跟著配奏唱一次。 然後別忘了把 音高、換氣、速度 先考慮進去，再來做其他的編曲。

寫之前我還查了一下維基百科，看起來似乎還沒有人對「編曲」，能有很完整的定義。就連我自己，也是到上了所謂的“編曲課”之後才比較懂得什麼是編曲。我覺得編曲可以歸納成兩大點來說，就是「歌曲的風格」與「樂器配置」。 ｜簡單說，流行音樂的“作曲”，就是寫旋律 講編曲前一定要先提「作曲」。一般流行音樂的“作曲”大家不難理解，就是把旋律寫出來，至於怎麼寫旋律，又是一門大課題，雖然說或許不一定要學作曲，一般會唱歌的人都能寫出自創旋律來，但如果你要進展到寫出一首能參賽的歌、交demo的歌，或就是想寫出一首自己會喜歡的歌，甚至會紅的歌，那學習如何作曲、怎麼寫出好聽耐聽的旋律，就是重要的事了！ ｜歌曲的風格 要怎麼唱？ 先說歌曲的風格。雖然風格有點抽象，但我們可以把它想成，“怎麼唱”。要一拍唱一個字，或是有點附點音符的唱法，比如說我們唱《小星星》的第一句：「一閃一閃亮晶晶」，你可以一邊拍手打拍子，然後像大多數的唱法一樣，一拍唱一個字。然後想像一下小野麗莎 Bossa Nova 的風格，用這種風格唱一樣的旋律。（越來越覺得可能需要做影片來寫Blog了..）要用什麼樣的方式或風格去呈現歌曲的旋律，這就是編曲的其中一部份。 誰來唱 歌手演繹的唱腔，也會構成不同歌曲的風格，單人演唱和雙人對唱，也會有不同的風格。比如說蕭敬騰的《疼愛》，他１０年前的版本和最近眼唱會和五月天的版本，就滿不同的，那就是編曲的不同。另外像《我在想你的時候睡著了》這首歌，YouTube上能找到拖拉庫、劉若英、周渝民的版本，他們對這首歌不同的詮釋方式，也可以說是編曲的不同。也就是說，vocal本身也是編曲的一環，一首歌唱的嗲一點，還是Man一些、娃娃音一點或是哭腔多一些，都會呈現不同風格。 唱幾遍 也就是一首歌的曲式分析。Verse、Chorus唱幾遍？曲式如何做排列。有些歌我們會覺得對其中的Chorus好熟悉，有可能就是他被唱了很多遍。這也是編曲的一部份。 配和弦 這是我剛剛突然臨時起意寫進來的，比如說有些歌旋律都很像，但你還是覺得他很好聽很有變化，那可能就跟配的和弦有關係。比如說周杰倫的《爺爺泡的茶》，旋律很像，但因為伴奏不一樣。這也是編曲。 ｜樂器配置 樂器配置我覺得是編曲裡最重要的元素。Bass旋律怎麼編，底要用弦樂或鋼琴，鼓的節...

這陣子大概是我最瘋狂認真聽歌的一個時期，比起以前因為喜歡聽歌而聽歌，現在則是因為想寫出一首好聽的歌，然後試著去聽每一首歌給我的感覺，或是分析歌曲的結構，我覺得滿受用的，分享幾個我聽歌的方式。 不要受限聽各種風格 以我來說，我聽最多的可能是五月天的歌吧？其實五月天的歌曲種類和數量都算多的，而且因為五月天的時間拉得夠久，所以很多歌幾乎都找得到不同編曲的版本，或是專輯和演唱會的不同版本。然後聽同一首歌曲開始去想，為什麼我覺得這個編曲好聽？是配器的關係？是歌曲結構調整的關係？還是觸動了自己相同的記憶？如果是觸動記憶，那為什麼是這個版本不是其他版本，是否因為唱腔的不同？或是其他..？ 然後其他有些太粉紅色的那種歌，我以前幾乎不太聽，總覺得那輕愁的有點太小女生，不過後來有一天我聽到洪安妮的《我喜歡你》，覺得甜的很喜歡，突然在想，如果我要寫一首甜甜的歌，我會怎麼寫？所以..就是要多聽啦！ 製作自己的聽歌清單 這時候Youtube就很方便，你可以製作各式各樣自己的學習播放清單，這還有個好處，比如說我就是想要編一個bass的弦律，我可以參考看看清單內我覺得好聽的bass是怎麼編的？這也可以讓自己在聽歌的時候，更認真去聽整首歌的結構，一邊做思考，而不就只是聽過去而已。 隨時筆記 我覺得做筆記對我來說滿重要的，剛開始我會開一個文字檔案，然後把所有聽歌的心得用自己的方式記錄下來，後來覺得youtube的留言功能就很好用，先把歌加到清單內，然後直接在下方留言紀錄自己的聽歌心得。這還有個好處，因為你不只是寫給自己看的，自然會更中肯並用心去寫。而且當有人對你的留言按讚的時候，就會有一種在雲端被人了解和肯定的感動噢！ 最後簡單列舉（用列舉這種詞彙應該算是報稅症候群吧 //）我聽歌時會紀錄的重點。 整首歌給我的感覺 編曲結構（節奏進行、主副歌重複次數、調性變化...） 配器分析 單一樂器的特色（如合成器使用、bass編曲） 不同版本的差別 好聽的歌詞 猜測這首歌會紅/不會紅的原因（當然不會紅的原因我是不會公開留言啦～） 其實到最後你會發現記錄這些只有一個重點，就是需要用心用感覺去聽歌。“感覺”並不能很實在的被教到會，但那可以被啟發、被帶領，如果有人能陪你聽歌、帶你聽歌、跟你一起分享關於聽歌的事情，我覺得，那是件非...

我雖然從小就學鋼琴，可是對於和弦的概念幾乎趨近於零。只有大概兩、三年前嗎？因為吉他譜上的和弦我完全沒概念，抓不出chord，覺得有點困擾，於是在誠品買了一本小小本的樂理書，果不其然，還是沒耐性讀完。即使到了大概一年前，有一個半夜我突然哪根經不對，決定要看完它，然後真的看完之後..久久沒用又忘了，然後就是現在了。以下分享幾個我在學習和弦上的心得。 這本書是《爵士樂理入門》 抓到邏輯後背起來 這次學和弦，倒是很自然的給自己一定程度的壓力一定要弄懂了，不過我覺得啊，和弦這種學問，好像不太能一定要搞懂為什麼，只能去抓到一種邏輯，就像我現在還是搞不懂為什麼，屬七和弦的第七音就是小七，而減七和弦的第五音是減五，第七音是要減七。就是他應該有種規則，但我似乎沒辦法馬上搞懂為什麼，於是就把他記起來。不過如果你有點時間的話，我倒建議可以多看一些教和弦的教材。 多看各種教法的教材 關於這點我整個也算誤打誤撞，我本來就只有看一本樂理書，所以吸收的都是上面教的邏輯，是也還算可以，但最近一次上課的時候，老師畫了一個循環圖讓我看，簡單來說，假設X度是大音程，那麼X+1(半音)＝完全音程，X+2(半音)＝增音程，X-1(半音)＝小音程，X-2(半音)＝減音程。所以我只要記１、４、５、８是完全音程（還是要背），然後再順著這個循環推算和弦組成音。乍看似乎也還好，但半夜在看的時候，偶爾就還是會打結。但多看幾本教材的好處就是，你會找到比較適合自己思維脈絡的方式。當然我們可能都不會有這麼充裕的時間，有辦法去消化這麼多本書，那就花錢去上課好了><" 有人帶還是相對會快滿多。而且如果你跟你的老師相處夠久，有一定的默契，很自然他教的方式也是你比較能吸收的方式吧～ 和弦與寫歌 我目前是還沒有因為學到一些些和弦的..知識，就覺得自己寫歌的能力有變強大這樣...其實幾次下來還是比較靠著喜歡、覺得順耳的和弦在配伴奏，而且其實喔，我總覺得和弦配得好不好聽應該只是種通則，就是相對好聽而不是絕對好聽，然後所謂的相對絕對，那還是一種比較符合現代人耳朵覺得好聽的聲音。所以關鍵如果是要寫歌的話，還是要多聽多分析別人怎麼用吧？！ 比起規則看樂理書，倒覺得學和弦最重要的還是要找到邏輯，然後懂了邏輯之後，寫歌就得靠更多的“感覺”，要不然每個人的創作都拿一模...

一週年快樂 這篇除了紀錄我這禮拜學到的一個很不錯的編曲方式之外，另外就是要跟有看到的你說，再過兩天我就已經學習數位音樂滿週年嘍～～這一年我學到非常多在聽音樂、DAW、編曲、作曲、錄音、創作...還有更多是很難用文字表達的東西。太豐富了！！或許下個月可以來寫一篇這一年我學到的事。 配出該音符能用的調性和弦 我應該有在粉絲專頁上聊過自己是怎麼寫歌和配奏的，通常我都會先有旋律出來，然後，或許是因為從小學鋼琴的關係，我很自然就會配出那個音能用的和弦調性，頂多就是用那個和弦彈些創作的分解弦律。不過不知道你有沒有過一種經驗？就是自己腦海裡的想像，無法實際被手彈出來。包括最近重新開始寫歌也是，旋律出來了，但在作編曲的時候，就會覺得跟原本腦海裡的感覺好有差距！甚至有點“編曲窮”的感覺（就跟詞窮的意思一樣）。 應用DAW製作出幾個度數組成的和弦 然後我這禮拜上課學到一個寫伴奏的新方法，一樣可以先把旋律寫下來，然後不用配“原來能用”的和弦伴奏，而是直接用滑鼠點出幾個度數組成的和弦，當然你也可以直接用鍵盤彈，不過像我已經很習慣彈鋼琴、並且在做音樂上都是以鍵盤概念為主的人（簡單來說就是個鋼琴手），如果直接從鍵盤上彈的話，就很難跳脫固有的框架。 彈出幾個度數的音之後，聽聽看那是否符合自己要傳達的“感覺”，然後可以繼續用滑鼠移動音符來做些調整，通常移動個幾次應該會有些意想不到的發現！和弦進行的方式也先不用考慮“正常應該要配什麼”，而是可以用想弦律的方式，勾勒出每個音符配合的走向，其實有點點像是在寫和音，除了主唱之外，其他3-4個人分別唱不同聲部，類似阿卡貝拉這樣。 最後甚至可以在每個音符上做一些更旋律的變化，讓整個伴奏再豐富多元一些。一開始可以先從８小節開始試試看。為此，我已經決定先停下我寫歌的腳步，先在八小節上做這樣編伴奏的練習。真的是非常有趣！！ 後記 很多東西雖然說學到了就是自己的，但唯有透過反覆練習，那才會內化成自己真正的武功。最後送自己還有大家一句我這禮拜上課看到的敘述：每個失敗都可能創造驚喜。 一起來發現驚喜吧！！

我一直很想寫這個。可是我找不到適當的地方寫，就在這裡記錄一下自己寫歌詞的經驗。 具體來說，我沒有學過怎麼寫歌詞。寫歌詞要學嗎？以前我也覺得不用，但自從上編曲課之後，現在我就覺得確實有學習的必要，最主要是要學怎麼對韻腳，還有唱歌的咬字。 那之所以會突然想講寫歌詞，是因為我在前陣子寫了首歌，當然那首歌除了很真心之外，技巧還有很多地方都需要再琢磨；而歌詞的部分，花了我很大的力氣，因為我希望歌詞能夠不過於浮誇，但又能很確切地表達出我想要傳達的感情。 因為一開始就有幾個想用的詞彙，所以很快就決定要用 “ㄧ” 和 “ㄥ” 的韻腳了，所幸這兩個音的詞不算太少。然後剛開始我大概有一些意象，所以就能拼湊出大部分的詞，後來再修的時候，我其實試著去聽了滿多接近這種感覺的歌詞，然後發現有些寫詞人真的很厲害，像是寫梁靜茹《偶陣雨》的陳沒，他好像就是相信音樂的老闆陳勇志，他寫《偶陣雨》的用詞，我覺得就是不煽情但卻非常到位，完全能感受到一個女生愛得很小心翼翼那種情緒。 另外當然我也聽了不少阿信的詞，不過阿信的詞，是另一種走向。這個我應該也可以用2000字來說，所以就不在這邊說了...。倒是阿信曾講過一句在《擁抱》中的詞，我印象非常深刻，先說在前，《擁抱》雖然原來寫的是同志間的愛情，但我覺得它傳達的不僅有同志這樣的意象，可以看一下2014年改編的那個版本，我覺得《擁抱》傳達的愛情，已經超越了愛情。歌詞中有一句「等你清楚看見我的美，月光曬乾眼淚」，阿信要傳達的意思大概是說，月光當然無法曬乾眼淚，但表示你或許永遠看不見我的美，而我卻只能在月夜裡流淚的這種畫面，但我如果把歌詞寫成「你看不到我的美，我只能在月光下流淚」，你一定也覺得不太美吧...。所以，用這種不寫實卻很寫意的文字組合，就會讓整個意象的美感層次提升。 說回來我在那首創作歌曲中的詞，有滿多句我自己也覺得很有意境。比如說我用了一個日本茶道的詞彙 “一期一會”，他的意思大概是說，一輩子我們就這次相遇，有一點緣份很珍貴難得的意思，為了押韻我轉成 “一會一期”。還有一句也是自覺寫得相當有意境，「超乎愛情的透明」，原先只是想用 “透明” 當韻腳，但要講什麼很透明呢？我想到了愛情。在愛情裡如何能透明？但歌曲中要傳達的愛情，就是那種已經超越了愛情裡獨有的迷濛，雖然不至清晰，但也不僅有迷濛這樣的成...

本來想說就不繼續寫到底還要修成怎樣了，但覺得這就是真實的過程，而且是我這麼用心寫的歌，不記錄也是可惜。所以，這次除了寫一下修改了什麼之外，另外我會在下一篇用我自己的方式記錄一下 “Compressor” 的功能。 . 先說這週上課的狀態我自己覺得並不好，大部分出在心態，還有情緒的問題。當然我差不多只花一天的時間，就想通了一些事。也覺得還好這種狀況，在創作初期就發生，後來我是這樣想的，我們要試著讓「音樂就該音樂」。 . 創作音樂除了感性之外，其實你必須用大多數做音樂的人的邏輯去思考，理性架構出一些脈絡，才能用共同的語言去溝通，畢竟創作還是會想要有共鳴的。所以知識其實是很重要的，而且，那也不就是我在感性之外，最想學成的能力。想通了也就比較好了，我甚至在這首歌的第三個版本做了一個「音樂就該音樂」的資料夾。加油。 . 另外偷講一件事（我的老師應該看不到吧），就是你盡量不要寫歌送給要教你做音樂的人。除非你心臟夠強，可以夠理性接受自己送的禮物被對方嫌東嫌西，這就是一種很尷尬矛盾的心態，你明明是去學東西的，結果反而覺得「阿講成這樣是怎樣？」，這樣有點麻煩。就像你去找吳寶春學做麵包，然後你還自己先做了一個麵包要送給吳寶春，他能夠不跟你講哪邊比例不對嗎？不能嘛！你就是去找人家學做麵包的啊...。所以心理建設要先做好，感性的心意和理性的思考要分開來，要不然你就會花一堂課在不爽這樣。很貴。 - 記得我第一次的修改嗎？就是重新修了部分的弦律、移了調、改了部分難唱的詞，還有重新做了樂器的編排。沒錯，這就花了我好幾個半夜。但事實上一般做Demo進行的方式，應該是要： 把弦律想出來 （怕會忘記的話，我是有用簡譜寫下來） 唱唱看有沒有唱不到的key （所以如果是寫給別人唱的，就要知道那人的音域） 配出基本的和弦伴奏 跟著伴奏錄vocal 最後將唱的弦律，用琴彈成一軌midi 然後再來重新檢視音域，看要不要哪裡再做調整，接著定了弦律和key之後，再開始進行其他樂器的編排。也就是說，我跑太快了！於是我大概檢視了一下後來修的弦律，覺得這個弦律的音域我都能唱到，大概是F＃2到C4，只是唱到B3、C4的時候，會比較勉強。 . 保留最終的弦律後，我用琴鍵彈成了一軌midi。目前這週在學的是，將vocal做修飾，包括compressor的部分（所以才會花了...

想試試看能不能盡量每週寫一篇針對「如何做音樂」這種專業性比重比較多的文章，也可以讓自己每週有一點顯著的進度。 -- 上一篇提到了我第一首歌的創作順序。第一首幾乎是在一種完全自行摸索的狀態下做的，所以上課時請朋友（朋友就是老師啦）幫忙聽之後，當然也歸納了不少問題。這幾天半夜又奮力修了一下，這篇來記錄修改的過程和心得。 ｜重做的部分包括：      a. 音域調整      b. 歌詞調整      c. midi樂器選擇及編排 ｜a. 音域調整 因為這首我有寫詞，寫詞就要唱vocal，但很多音其實滿低的，我唱起來很吃力。所以首要就是探索自己能唱的音域範圍，但我遇到一些問題。 本來為了解決低音而調整了主歌的旋律，但怎麼唱就覺得沒第一次寫的弦律那麼好聽。後來我保留了最喜歡的前四小節的兩句弦律，但從原來的F大調移了一個全音到G大調，第五小節開始，就把原來的弦律改成自己的key。 不過，其實還是覺得原來比較好聽...。畢竟送給別人的歌不自己唱也是怪怪的，所以暫時只能在我有限的能力和音域範圍內，編一個相對比較好聽的旋律。不過我是很自作聰明地在midi樂器的和聲上，保留原來的旋律，覺得這樣好像也不會失去太多原來的味道。關於這點合不合用？等我以後知道了會再記錄。 ｜b. 歌詞調整 歌詞的部分朋友有稍微跟我說了一些發音不太容易唱，比如說"ㄌ"的發音，像是冷清的冷 。或是像 "開始了"的「了」，放在句子中間不那麼合適唱。不過我馬上想到八三夭的《我怎麼哭了》，還有五月天的《你不是真正的快樂》。但《我怎麼哭了》的「了」，幾乎都在句尾，至於《你不是真正的快樂》，老師是說「樂」是重音，應該說是「仄聲」，所以比較不會有失去存在的感覺？（我還沒收到上課的影片，內容如有出入之後會修正） 總之我的歌詞避開了一些難唱的字，做了不小的調整。還有一句我很喜歡的「時差一隅(ㄩˊ)」，就是在時差的一個角落的意思（覺得很有意境啊），也是因為ㄧ ㄩ音太近不好唱，改成了「星空無垠」。詞方面比較大的改變還包括最後一次重複的副歌，我改了滿多詞（想講的話太多）。 ｜c. midi樂器選擇及編排 midi樂器其實跟第一次大致相同，因為改完詞想完旋律，我整...