數位音樂學習心得

  我在想該怎麼寫《說謊》的樂曲分析？不然這篇就用最近學到的「簡報」（？）方法，先說結論。 結論就是：這首最主要的經典之處，我認為在於主唱的詮釋。 但一首樂曲分析哪能說得這麼簡單..？剛才突然想到，約莫在十多年前甚至更早期，也就是華語流行音樂萌芽到盛行的時代，像這樣很主流、傳唱度很高，Chorus隨時都可以跟上大合唱的音樂，其實不在少數。這難道都是因為Vocal唱得好？想必你也會認為那只是眾多因素之一。那回到這篇《說謊》，我以段落敘事的方式，來聊聊屬於它的樂曲分析。 Intro與Verse 一開始是四小節重複的前奏，前奏只有鍵盤和合成器的音效，四小節之後馬上進入Verse，加入主唱後，伴奏仍是重複的前奏，Verse唱了四小節，在「可能我浪蕩 讓人家不安」加入了電吉他，延續四小節後進入第二次Verse。 第二次的Verse，爵士鼓過門進來，貝斯、木吉他刷奏、鍵盤整個填滿樂曲。這是滿常見的流行音樂鋪陳的形式，由少到多，這樣的編曲會給人一種聽故事、按圖索驥的感覺，然後這首的做法是直接將很滿的編曲延續到Chorus。 第一次Chorus與間奏 第一次的Chorus，加入了弦樂為Pad，即使整體還是很「滿」，但我會覺得在第一次的Chorus，有點刻意沒有把整個情緒推到高點，或許因為弦樂的關係，讓《說謊》仍維持在一種敘事的氛圍中。然後接下來的間奏，反而覺得算是這首在旋律上，很有亮點的地方。 在這僅僅四小節的間奏，降了一個音後的伴奏順降，會有一種好像調性轉換的錯覺，情緒上也有一種曲折感，即使是簡單的順降５度再回到原來的主旋律上，也可以塑造出很不一樣的情感轉折。 四小節間奏之後很快回到Verse。第二段的Verse編曲跟前面沒有太多不同，但從這裡開始，林宥嘉的聲音有很多發揮的空間，有一種想再繼續聽他唱了什麼的感覺。我自己覺得最迷人的是最後兩句，「聞得到玫瑰花香 被妳一說是有些印象」，“花香和印象” 轉音與鼻音的共鳴，幾乎讓我聽到《說謊》，就只想得到林宥嘉（以下稱Yoga，親切又好寫）。 反覆了三次的Chorus 然後接著進入反覆了很多次的「我沒有說謊」的Chorus。除了因為旋律重複形成的記憶點之外，值得留意的還是Yoga特別的聲線與情緒的詮釋。舉例來說，前面第一次的Chorus我有說到他好像刻意沒有把整個情緒推到高點，讓《說謊》維持在一種敘事的氛圍，在第一次的「我沒有說謊...

就像我在 IG 上說的，我覺得這是一首不容易拆分來做分析的流行音樂，如果用三個關鍵字來描述，我會用「現代」、「聲音配置」、「催淚的故事性」來形容它。 首先，無論是在配器或是段落分析上，我發現它的鋪陳都是相對簡單的，沒有很繁複的樂器或是模稜兩可的段落，比較多細節變化的，我認為反而是旋律。 不同旋律會帶出不一樣的意象，比如說， Verse 第一句的 “ 三番故里 ” ，第二句的 “ 與你相遇 ” ， 乍聽以為旋律一樣，但其實第二個音並不相同。第二次 Verse 的第一句 “ 你的故事 ” ，和第二句的 “ 紀念時刻 ” ，也分別與第一次的 Verse 有所不同。 當然我在做分析的時候，也會問自己：「是需要聽到這麼細嗎？」，不過如果明明寫成一樣也是合理的，卻會刻意以旋律做出變化，我猜想那必定有創作者的用意。而我所想像得到的，就是不同音符高低的組成，會帶出不一樣的情緒表現。 這首歌有非常多像這樣在旋律上細微的改變，比如說在 Chorus ，除了關鍵的第一句「而我 在這座城市遺失（失去）了你」旋律是相同之外，後面兩句也各自用了不一樣的旋律呈現。 接下來我用時間線的方式，來描述這首的現代感、聲音配置，以及不容忽視的催淚故事性。 前奏一開始只有鋼琴，鋼琴同時彈出聲音的高低頻，低音主要在中間，中高頻比較偏在後面一點，但是有一種將聲音做為穹幕一般覆蓋全場的感覺，所以即使只有鋼琴的聲音，仍能透過聲音的配置將空間填得很滿。 接下來的 Verse 只加入了人聲，鋼琴仍維持原有的模式作為 pad ，而人聲比鋼琴，距離又再近一些。一路以這種形式直接進展到 Chorus ； Chorus 最明顯的是加入了中高頻的女聲合音，而原有的男聲仍維持在偏中間的地方，女聲則是同時放在左右耳的位置。既然加入了更多的中高頻（女聲），同樣的再更遠的地方，可以聽到弦樂的低頻同時加入，成為了整段的 Pad。 兩次的 Chorus 之後，進入一段類似間奏的段落。 這段間奏特別的是，它持續保留男聲的 Vocal ，但原本女聲的和聲拿掉了，取代的是電吉他的聲音，原本的鋼琴也改變了原先以固定節奏彈奏的方式，大面積的弦樂也暫時抽掉。這段間奏滿明顯將整首歌做出了前後編曲上的區別，從這段之後緊接著的 Re-Intro ，開始加入了鼓、管樂 .. ，讓整首歌推向更豐富的故事性。 Re-Intr...

覺得這是一首很不現代的流行音樂，但始終很吸引我的耳朵。是什麼讓我覺得這麼耐聽？ 分析過後，覺得可以分成三個部分來說，分別是旋律、配器、人聲的詮釋。 ｜旋律 這首的旋律，是那種很有故事感的鋪陳，以 Verse 來說，它不會完全重複。１、３句雖然音符幾乎完全相同，但仔細聽會發現第三句「如果愛情是你的游牧」， “ 愛情 ” 的音高上去，而第一句「如果流浪是你的天賦」， “ 流浪 ” 的音是往下走的；２、４句雖然是不一樣的旋律，但第二句「那麽你一定是我最美的追逐」，這裡的音符是平鋪直敘的流動，到了第四句「擁有過是不是該滿足」，大部分的組成音符，比第二句的音高來得低，但在 Verse 結束時，音高又逐漸往上走；所以即使整個段落都算是 Verse ，但聽起來卻很有流動感。事實上我後來發現，大概十幾年前的情歌，似乎都很流行像這樣的鋪陳，一種比較含蓄、慢慢說故事的旋律表現。 但如果要我選整首最漂亮的旋律，我會選 Pre-Chorus ，也就是導歌的旋律。 「 誰帶我踏上孤獨的絲路　追逐你的腳步 ；誰帶我離開孤獨的絲路　感受你的溫度 」， 真心覺得王力宏這首的曲滿厲害的，導歌的旋律算是讓人很意想不到的一種對答式的旋律，編曲也從原本的 4/4 拍，變成偏向 2/4 拍的節奏。 然後橋段的旋律，也是我覺得聽起來驚喜感很重的一段，「 雲破日出 你是那道光束 帶著平凡的我走過奇蹟旅途 」 即使只有短短的４小節，但我實在找不到文字來形容這樣子旋律的發想，它的出現像是一種大旋轉，有衝破黑夜，在絲路中看見曙光的感覺，也直接將旋律升 Key ，帶出下一段的 Chorus 。 ｜配器分析 在做這首歌配器分析的時候，我真的是驚呼連連。一開始只是很單純中國風的撥弦樂器，加上鋼琴的 pad ，然後接到 Pre-chorus 的時候，鋼琴的低頻進來，一直到快接到C horus 的時候，弦樂跟著進來，一度讓人以為接下來是維持著很滂薄感的 C horus ，但沒想到 Chorus 卻是幾乎以人聲為主，只有單純鋼琴和撥弦為 pad 的配器。所以第一次的C horus ，是一個以人聲為重點，娓娓道來的情感表現。 第二次的 Verse ，相對配器增加很多，我猜想也是因為要跟第一段的 Verse 做出一些分別 ，然後也讓聽者可以進入另一種比較豐富的情緒，畢竟是走絲路，不是走什麼安靜的小路，所以壯闊...

快要做完《成名在望》的樂曲分析的時候，就想到要將這首歌當作下一個樂曲分析的曲目，一個乍聽簡單的小品（？），在做分析的當中卻有著不算少的驚喜。 同中求異的鋪陳 這首歌曲的時間不長，如果只是一般地聽過去，我猜旋律和段落的重複應該很高？但在做了分析後，發現旋律雖然也是滿多重複，但卻有很多我想稱之為 “同中求異” 的鋪陳。比如說一開始的第三句「我的心向夏天，那彩虹總算回來」與再重複一次後的「走過泥濘草地，人海中我發現了你」。 又像是 Verse A 和 Verse B，我原本以為 Verse B，也就是「也許還不確定 那麼就試著讓你開心 」這段，會是 Verse A 再重複一次，但分析之後才發現兩段Verse，只有第一句的旋律重複，後面的旋律雖然相似，但仔細聽卻都不相同，我會覺得 Verse B 比較像是 Verse A 的延伸；所以雖然在段落裡都是Verse，但我將它標注成了A和B兩段。  大量的合成器編曲 雖然段落不多，但大量的合成器編曲，還有配器的編曲，是我覺得把整首歌點綴得更完整的地方；像是 Verse B「也許還不確定 那麼就試著讓你開心... 」就加入了類似敲擊的聲音效果，這種素材的聲音，會帶出一種像在敲椰子殼或是貝殼的那種夏日輕鬆感，也讓 Verse B 和 Verse A 以配器做出區隔。Verse B 緊接著的 Chorus，敲果殼的聲音效果，轉成一種類似沙鈴的音效，同樣也是很夏天的素材。 合成器在 Bridge 的地方也有很主軸的呈現，８小節都以合成器作為主旋律的擔綱；以往我對合成器的概念，總覺得偏重、偏硬、很電音，但這首《心向夏天》，卻讓合成器的聲音與夏天的輕快、開心毫無違和，所以我在Instagram上才會說，覺得這首不太能說是一首歌用了什麼配器組合形成，卻是這些配器的融合與表現，直接呈現了一首歌的樣貌 (好像還是無法形容的很具體..)。 人聲和合聲的應用 最後來講講我覺得這首歌一些人聲和合聲的應用。在 Verse B 重複第二次，也就是「總是來來去去  有多麽幸運能遇見你  讓煙火照亮  這段愛情」這段，我很喜歡主唱在唱 “這段愛情” 的聲音表情，可以從歌聲裡掌握到很鮮明的情緒，也讓我發現唱腔的不同，能把聽眾帶向不同的情緒氛圍。 Chorus的編曲巧思 這首的 Chorus 重複了４次，...

好久沒寫部落格文章了..，2021的第一篇就從最近做的「五月天《成名在望》樂曲分析」開始嘍！我將這首歌的結構劃分成幾個部分，主要偏向在編曲的層面來做分析。 首先這首歌很明顯的就是在速度和拍子上做了滿豐富的變化，覺得這些變化聽起來的炫技感並不強烈，反而比較像是幫助帶出歌曲情緒的元素之一。比如說，「穿過了搖滾或糖霜、昧俗或理想...」從這裡開始拍子短暫變化成6/8拍，反而更突顯出循序前進的情緒；樂曲的拍速整體來說是越來越快，分段的感覺也讓整首歌更充滿故事張力感，接下來就從 “分段” 來開始聊嘍！ 樂句分段 光是樂句上的分段就有A到U，也就是整整有21個樂句組成。 一開始我做了樂句的分段，將同樣樂句的表現以英文字母做標註，這個方式可以滿清楚知道整首歌的旋律走向。意外的是，這首《成名在望》居然光是樂句上的分段就有A到U，也就是整整有21個樂句組成。以現在的流行音樂來說，算是變化相當多的了！ 段落分析 這部分我覺得在這首歌裡比較難精準的用一般現代流行音樂的方法來做分析，但用這種分析方式做下來，我也才發現整首歌相當精采的鋪陳編排。首先是一開始的「找一個和弦開始唱...」這是第一段的Verse（主歌），原本以為Verse會重複一次，但「那一年的舞台 沒掌聲 沒聚光...」，在旋律上與第一段Verse句尾並不相同，增加了一些變化，所以我把它歸成Verse B，這兩組Verse以同中求異的方式作表現，有一種依循但增加變化的感覺，我覺得很驚喜。 再來是Chorus（副歌），就像一開始說的，這首歌比較難精準的用現代流行音樂的方法來做分析，但如果要標出Chorus的型態，我覺得有三段，分別是接在第一次Verse B後面的「那黑的終點可有光..」這段我標成Chorus A，中間的「看過多少臉龐 飛過多少異鄉..」標為Chorus B，最後結束前的「那黑的終點可有光 那夜的盡頭可會亮」，雖然歌詞和旋律與Chorus A 有滿多呼應和重複，但速度、配器、情緒卻是完全不同的呈現，所以我將它標註成Chorus C。 另外，Chorus A 的前面一段聽起來比較像是直接從VerseＢ接續，而Chorus B 的前面則是多了一段 Pre-chorus（導歌）做鋪陳，就是「穿過了搖滾或糖霜、昧俗或理想...」；最後的Chorus C，前面接的則是一段電吉他solo，加上速度加...

三年前剛開始接觸數位音樂的時候，我只有一台MacBook Air，和一些聽得到聲音的耳機。 當年一心一意只想創作音樂，還有做一些彈唱的錄音，沒有很具體的計劃。我記得，當時的老師（嗯，現在也還是..）在我上完第一期的課程時跟我說，要學怎麼做音樂，還是得先從學習聽音樂開始。接下來我開始找尋我人生第一套的監聽喇叭。 印象很深，那時我給自己１個月的時間，幾乎把所有在台中能接觸到的音樂教室、音響耳機店都走了一遍；在一個下著大雨的夜晚，我站在養了一隻貓的音響店裡，主理人拿了一組我其實也忘記什麼牌子的監聽喇叭，然後他要我隨意用手機裡有的音樂試聽看看。我習慣性地按下五月天...然後突然有個疑問，「我要聽什麼？」 「要學怎麼做音樂，還是得先從學習聽音樂開始」「你要多聽一下別人的歌」，類似這樣的話在我接下來學習編曲、作曲、錄音的過程裡，應該聽過不下百遍。我大概知道意思，但很多時候還是會浮現出下大雨那晚，我站在一組監聽喇叭面前的疑惑，「所以我要聽什麼？」 到了最近，我都換了第二套監聽喇叭了...，差不多兩個禮拜前吧？！上課的時候我們聽了最近才又修過的弦樂和貝斯，老師又說「你要聽一下別人的歌」，然後他告訴我，原來是因為我的某段弦樂，小提琴高頻的部分都偏在同一邊，所以歌曲進行到那段時，在聽覺上就會顯得不協調。 事後當我再試著修改的時候，我將中提琴的和聲做了一些調整，同時在樂器的位置上也做了一些微調，之前音頻位置偏差的問題，現在聽起來是好一點了...然後我突然有點感謝那個三年前站在監聽喇叭前，不知道要用監聽喇叭聽什麼的自己 XD 每個不斷發現新的問題，設法解決的過程，都是更前進一步的印記。至於要怎麼發現？怎麼解惑？又怎麼繼續向前走...？我想每個人都有著自己獨有的方法，但唯一不變的事情是，這要真的去做才會知道。 我猜我也還會聽好幾次，「你要多聽一下別人的歌」。

最近在練習並修改弦樂的部分，雖然..其實..我真的覺得滿繁瑣的，但我再次認知了一件重要的事情，那就是練習「模仿」的重要性。 不管是創作任何形式的作品，相信每個創作者，應該都會經歷一種 “想做出自己的東西” 的情懷；但當我花越多的時間沈浸在自己的作品當中，就容易有種很難客觀的感受，好像聽起來都過得去？但哪邊又會無法到位的感覺。 然後我想起自己在很久以前，曾使用模仿的方式做過一個音樂創作的練習，我把一些喜歡的歌曲彙整起來，模仿他們旋律和節奏進行的方式，做了一個專案。雖然這首歌現在看起來有很多可以調整的地方，但在模仿的過程裡，就是不斷在練習做音樂的方法。 一年多前模仿旋律 和節奏進行的方式，做了一個簡單的專案～ 說回弦樂，在我的YouTube清單裡，有一個練習聽弦樂的播放清單，裡面都是我覺得弦樂編得很能借鏡的作品，但往往都只是聽過去，累積的能量感並不顯著。直到最近上課的時候，聽了一些音樂作品，我才有點恍然大悟地發現，原來大部分的歌曲，在弦樂上並不太會有很滿的存在感，它通常會是循序漸進地被帶入，或是以點綴的方式進行， 而這個面向就是我一直忽略聽到的部分..。 最後跟大家分享一個最近的心得，前幾天朋友問我，為什麼一首歌要寫這麼久？並且他覺得我讓做音樂這件事，佔掉自己生活太多時間；事實上在寫這首歌的同時，我也做了不少音樂日記，甚至也有幾首，我認為算是目前能力所及還滿完整的作品。 但我也漸漸發現，就做音樂這件事情來說，我已經不太會用 “佔掉生活多少時間” 、“花了多少時間完成” 的心態去對待它，因為那就已經是實踐生活的一部份了，我可能會不斷打掉重練很多東西，但每次在做其實都是一種前進和學習；如果生活裡每件事都「咚」一下就完成了，那不是很無聊嗎 XD。 所以，說實在我也不太強求身邊的人都能理解這一點啦，但就是如果有人懂的話，則是我幸，反之，就真的是緣分了～～ 好奇怪的結論，我還是繼續把弦樂打掉重練吧.....！這篇最主要還是要跟大家分享，「模仿」可能比我們想像的更重要唷！ 對了，我最近開了一個新的YouTube頻道，會把一些音樂作品，還有做的Vlog影片放在頻道中，算是幫助自己做一個紀錄，同時也想嘗試用喜歡的方式，去學習並分享更多新的東西。歡迎大家到我的頻道看看，喜歡就訂閱起來！ 另外以下這些地方也能追蹤到我們，歡迎你一起＃以音...

這個月的第一篇，來聊聊最近練習聽音樂的一個驚喜～ 緣起是我最近在熟悉的網站上，看到一篇同樣在學習數位音樂的長輩他的心得分享；發現其中有些 心得與收穫，即使我知道他描述的是什麼，但自己卻似乎從沒有認真感受到類似的喜悅，覺得這對我的學習經驗來說，好像有點可惜...。 那篇文章裡提了很多，讓我比較深刻的，是他提到 「 音樂可以有畫面，舉例說一首歌的鼓，用不同的節奏時產生了不同的變化。 」 讓我覺得更佩服的是，他說 「 當閉起眼睛聽的時候，還可以看到（感覺）相對的畫面。 」 如果以我的解讀，要體會這樣的畫面感，或許是要仔細去聽「單一樂器在整首歌曲裡，是如何的存在？」雖然也不太確定這樣思考的邏輯對不對..，但既然我的 “畫面感” 一直以來都很薄弱，乾脆嘗試一下這個沒認真試過的方法。 第一次感覺到驚喜，好像是午休時趴在桌上邊聽YouTube邊睡覺發生的 XD，那首是五月天的《OAOA》，這首的前奏，弦樂的部分有很長的鋪陳，本來想說那就單聽弦樂怎麼 “存在” 好了，結果Vocal進來，同時我也快要睡著的時候，突然發現..「天阿，這個電吉他也太好聽了吧！」 之後我在Apple Music上，分別聽了兩個中文版（就是五迷才會懂的明日版與末日版～）、日文版、還有flumpool的版本。認認真真發現，每個版本的電吉他，都有不同的 “存在”。而中文版和日文版，我聽起來像是因為Vocal放的空間位置不太一樣，所以電吉他即使和聲相同，卻也有不一樣的存在感！ 然後像是 flumpool的版本，因為全部重新編曲過，所以即使節奏感跟原曲相近，但因為他們用了許多新的和弦配置，整體感覺和原曲比較後就發現有很多差異。 如果要形容一種畫面的話，五月天用的和弦比較像是，「在一個安靜的空間，撫心自我激勵，終見光明」；而 flumpool的版本比較熱鬧，像是「一大群人在一個開放的空間，共同奮戰，迎向勝利」。嗯，我突然想到，類似在 “健身房運動” 與 “跑馬拉松” 兩者這樣的差別...。 總之，有了這個 《OAOA》的驚喜之後，我現在會試著朝 “單一存在” （可能是樂器、也可能是和弦）去感覺這個 “單一” 是如何存在於整首音樂之中，他被放在哪裡？又形成了什麼模樣。隨著學的東西越來越多，昨晚開車聽音樂，我甚至腦海還閃過這首歌在 overhead 和 room...

這個月的第一篇，來聊聊最近做的聽音樂練習。話說即使一直有在進行 聽音樂和做音樂的練習， 但與其說是 “持續前進” ，最近倒覺得比較像是一場破關的..遊戲（競賽）？而競技的對手就是自己。 總之，前陣子突然意識到，我希望我做出來的音樂，是能夠實在表露意象和情感的！但要不就是創作完卻達不到想要的境界，要不就是無法具象說出這段音樂在表達什麼畫面...。在糾結了幾天，也跟老師討論了一下之後，我在聽音樂的練習上做了一些調整，也初步歸納了幾個用音樂表達感情的關鍵，像是和弦、編曲、故事性...。其中 “聽和弦”，算是在練習裡最有感的部分，這篇就來聊聊，我在聽和弦上的心得。 ｜ 不同的和弦使用，帶來不同的感情 相信大家都有過一個經驗，聽同樣一首歌不同的版本，就會呈現不一樣的畫面。而這個 “不同畫面” 的感覺是怎麼產生的？可能就是用的和聲（和弦）不同。 以偶像五月天的《派對動物》舉個例子，我很喜歡演唱會版本的《派對動物》，尤其是一開始「呀呀呀  呀呀  呀呀，噢噢噢噢噢噢噢」（嗯..這是歌詞），我把試聽連結放在文末；仔細聽會發現這裡用的和弦，和專輯收錄裡用的並不相同。 聽專輯的版本有一種派對的歡樂感，雖然歌詞描寫的是一種大人世界裡，不得不妥協的悵然...，但說個題外話，我覺得阿信很擅長這樣的詞曲創作，就是用很正向歡樂的曲風，描述偏向沈重的題材（例如像是《瘋狂世界》）。 嗯，說回《派對動物》，有別於專輯的版本，在演唱會版中的《派對動物》，一開始卻給了我一種醞釀、循序漸進、要慢慢探險...不知道前方是什麼的感覺，跟專輯裡呈現的派對歡樂感很不一樣。 後來我稍微分析了一下，這首歌的調性是小調，在前奏與主歌之間那一段，就是 「呀呀呀  呀呀  呀呀，噢噢噢噢噢噢噢」，即使兩個版本同樣調性，同樣弦律，但使用的根音不同、和弦不同，帶出來的感覺就會不相同。 ｜後記 雖然我的樂理已經完完全全還給老師和書本了...，但其實只要用聽的，有一點音階和和弦的概念，去感受不同和聲傳達出來的是什麼樣的感情，久而久之應該可以內化成音樂資料庫裡的素材吧！！ 關於這樣的能力，我也還在持續累積中，會不會有什麼成效，大概也要走一段時間才會知道。喔，對了，一開始不是說最近有種做...